Depuis que le grand public a découvert le documentaire muet en noir et blanc d’Auguste et Louis Lumière, « L’arrivée d’un train à La Ciotat » en 1885, l’histoire du cinéma et celle de l’horreur sont inextricablement liées. Au fil des décennies les films d’horreurs sont devenus de plus en plus populaires et la plateforme de streaming au logo rouge l’a bien compris puisqu’elle en ajoute de plus en plus à son catalogue.
À l’aube du nouveau millénaire, les films d’horreur ont conservé leur pouvoir de choc et d’indignation en continuant de sonder nos terreurs les plus profondes et d’incarner nos fantasmes les plus malsains et les moins acceptables socialement. Ils sont, dans ce qui constitue une ironie particulièrement délicieuse, un « espace sûr » dans lequel nous pouvons explorer ces facettes autrement insondables de notre véritable moi, tout en nous consolant en sachant que ce n’est qu’un film.
Cependant, tout le monde ne réagit pas de la même manière aux films d’horreur. Notre collègue Olivia Martinez, par exemple, aime regarder ce genre de films. Olivia est l’auteur d’un projet en ligne. Elle écrit des articles sur le meilleur casino en ligne en France et, comme tout le monde, elle aime se détendre après le travail. Comme Olivia le dit elle-même, elle ne trouve rien d’effrayant dans les films d’horreur. C’est pourquoi elle a été heureuse de nous aider à rédiger un article et à sélectionner les meilleurs films de ce genre.
Les films d’horreur parviennent toujours à trouver des métaphores puissantes pour illustrer notre société et comment nous supportons les périodes de fracture et de peur. Pour chaque long métrage, il y a une tentative féroce de repousser les limites de ce que nous pouvons honnêtement dire de nous-mêmes. Et certains de nos films préférés sont actuellement disponibles sur Netflix. Voici donc notre classement des 15 meilleurs films d’horreur accessibles sur le catalogue de l’entreprise américaine.
Top 15 des meilleurs films d’horreur sur Netflix
15. 1922 (2017)
Wilfred James (Thomas Jane) apparaît d’abord comme une caractérisation largement brutale donnée par un acteur cherchant à perturber son image joliment distante. Mais la mise en scène de la rage de Jane est obsédante et astucieusement comique. La violence désinvolte du physique de Wilfred est subtilement calibrée, notamment la tension dans son dos musclé alors qu’il boit une limonade après une dure journée de meurtre.
Complétant le portrait de la colère de Jane, Molly Parker matérialise la peur qui imprègne chaque détail de la relation d’Arlette avec son mari, que le personnage tente de masquer par une bravade, scellant par inadvertance sa perte. Arlette est l’une des innombrables femmes qui sont condamnées si elles le font ou si elles ne le font pas, et pourtant les hommes parviennent à se faire passer pour des victimes. 1922 imprègne le féminisme de Stephen King.
14. Before I Wake (2016)
Before I Wake laisse entrevoir un psychodrame remarquablement cruel, en physicalisant l’une des pires et des plus courantes peurs que partagent les orphelins : celle d’être affreux et peu aimable, et donc de ne pas mériter de parents. Cette peur est similaire à la terreur qu’ont les parents de détruire ou de décevoir leurs enfants par inadvertance, et Mike Flanagan réunit ces angoisses dans une intrigue macabre et inventive qu’il n’explore pas complètement.
Ce dernier est profondément investi dans le bien-être de Cody (Jacob Tremblay), au point de signifier de manière rigide les diverses manifestations des cauchemars du garçon, incarnant ainsi l’irrationnel dans un cadre rationnel afin de justifier un final émouvant mais littéral.
13. Cam (2018)
Basé sur les propres expériences de la scénariste Isa Mazzei en tant que modèle de cam, le film n’est ni franchement positif sur le plan érotique ni franchement préventif dans sa description d’une streamer en devenir, Alice (Madeline Brewer), dont le compte est piraté et volé par quelqu’un qui semble être son sosie. Même si Cam donne un nouveau sens au terme « ghosting » lorsqu’Alice se regarde en ligne, les points forts du film proviennent d’une familiarité intime avec les angoisses que l’on ressent lorsqu’on essaie de prospérer dans une économie parallèle.
Cam est également l’un des premiers films américains à aborder les conséquences du piratage auprès de la famille et des amis, démontrant ainsi son acuité en tant que contrôle du pouls social d’une souche particulière du conservatisme américain qui continue d’obséder et de stigmatiser les activités liées à l’érotisme et ceux qui y participent.
12. Christine (1983)
John Carpenter est le réalisateur idéal pour cette histoire d’une Plymouth Fury 1958 hantée qui possède son nouvel acquéreur. Maître de la composition, Carpenter souligne la verticalité et l’horizontalité infaillibles de la voiture, contrastant ces dimensions antiques, et la prospérité américaine qu’elles symbolisent, avec le désespoir général des années 1980. Artiste plus froid que King, Carpenter assèche le récit de ses dimensions surchauffées, ce qui, paradoxalement, met davantage en lumière la tragédie des gens que Christine ruine.
On regrette que Carpenter n’ait pas tenté de mettre en scène quelques-unes des fantaisies les plus folles de King (comme les méthodes effrayantes utilisées par Christine pour se débarrasser de ses victimes), mais il s’agit néanmoins d’un film à l’atmosphère élégante, dérangeant et généralement négligée dans l’œuvre de Carpenter.
11. Crimson Peak (2015)
La décision de Guillero del Toro de souligner explicitement les faiblesses de son mandataire dans Crimson Peak expose tardivement les substituts précédents comme tout aussi peu clairvoyants. Rétrospectivement, ses fantasmes sont le contraire d’une fuite de la dure réalité : C’est le monde réel, avec ses guerres et ses discriminations, qui s’immisce dans l’imagination, qui peut faire apparaître des créatures et des décors aux détails impressionnants, mais qui a souvent du mal à cerner la complexité des émotions et de l’histoire.
Les films de Guillero del Toro tendent vers le mythologique, c’est-à-dire qu’ils sont intemporels, enracinés dans un passé profond et non spécifiques à une époque. Lorsque le contexte social et historique fait enfin irruption dans son univers, il expose les failles de l’immaturité et de la tristesse d’un enfant qui sait qu’il est temps de grandir mais qui ne peut affronter l’âge adulte.
10. L’Exorciste (1973)
Dans L’Exorciste, la terreur se répand à la vitesse de la lumière. L’Exorciste de William Friedkin, nous révèle l’anxiété liée à ce devoir de reproduction dont toute une génération est victime. La lenteur et la subtilité de ce long métrage explosent en une gerbe de terreur abjecte : un mélange de suspense et d’exploitation qui englobe la majeure partie de ce que le film d’horreur est capable de nous faire ressentir au plus profond de nous-même.
9. Destination finale 5 (2011)
Il y a un humour noir dans les séquences de mort du film qui invite le public à applaudir, mais Destination finale 5 veut aussi que nous soyons consternés par la façon dont la mort peut nous frapper et, finalement, par la façon dont elle nous unit tous. Les décors ne sont pas seulement des blagues soigneusement mises en scène avec la plus méchante des punchlines, ce sont aussi des inquisitions.
Destination finale 5 est peut-être le seul film dans lequel un héros est critiqué pour son comportement égoïste dans le cadre de sa propre prémonition. La prémonition peut leur donner le mode d’emploi dont ils ont besoin pour tenter de sauver des vies humaines, mais elle nous rappelle également qu’il n’y a pas de plus grande douleur que de savoir que la mort est à nos portes.
8. His House (2020)
Dans His House de Remi Weekes, les traumatismes non résolus qui sapent les défenses d’une famille d’immigrés se manifestent de manière horrible lorsqu’ils emménagent dans leur nouvelle maison, et luttent pour naviguer dans une culture étrangère qui insiste sur l’assimilation.
Alors que Bol cherche désespérément à s’intégrer, sa femme, Rial fait face à ses adversités pendant que leur maison devient un dangereux champ de bataille dans lequel ils sont obligés de lutter contre leurs démons intérieurs et de trouver des moyens de s’adapter sans changer fondamentalement qui ils sont.
Cette maison, avec ses murs poreux et son papier peint écaillé, symbolise étrangement la psyché endommagée de ses nouveaux habitants, leur chagrin et leur culpabilité se manifestant sous la forme de fantômes.
7. Laisse-moi entrer (2010)
En situant l’histoire en cette période de déception économique brutal, de divorce endémique parmi les baby-boomers, Reeves donne à Laisse-Moi entrer une grande gravité, en associant la politique aux sentiments humains, de sorte que la lutte d’Owen devient celle d’une nation entière de personnes souffrantes, désespérées, naïves, à la recherche d’un sauveur.
6. Les Cauchemars de la rue Elm (1984)
Le scénariste et réalisateur Wes Craven fait de son tueur surnaturel Fred Kreuger un agresseur sexuel – il a des couteaux à la place des doigts qui incarnent le revers menaçant des pulsions biologiques saines de ses victimes adolescentes. La plupart des films d’horreur punissent les adolescents aux mœurs légères, mais Craven va encore plus loin : Kreuger contrôle leur inconscience même.
Le créateur du film bouleverse les codes, poussant ses victimes dans une dimension onirique et prouvant que les parents baby-boomers sont complètement incapables de protéger leurs enfants : On peut fuir le croque-mitaine mais pas ses rêves.
5. Raw (2016)
Des critiques planent de manière désinvolte et constante dans l’air tout au long de Raw, comme l’insistance d’Alexia (Ella Rumpf) sur le fait que la beauté est une douleur. Dans ce film, une épilation du bikini peut presque entraîner la mort, et une envie de prendre du plaisir peut pour une femme, conduire à une humiliation et un ostracisme bien trop typiques.
La réalisatrice Julia Ducournau est véritable impitoyable, cadrant souvent les scènes dans des tableaux symétriques qui informent les différentes cruautés et accouplements avec une impersonnalité qui est ironiquement soulagée par l’intimité grotesque de la violence. Nous sommes témoins du conditionnement à l’œuvre, dans lequel Justine (Garance Marillier) est inoculée à l’âge adulte conventionnel, apprenant la honte de soi.
4. Histoires effrayantes à raconter dans le noir (2019)
Les livres d’Alvin Schwartz sont remplis d’histoires d’horreur tirées du folklore et présentées comme des contes de fées. Le film conserve les décors archétypaux mais aborde la vie émotionnelle et psychologique de ses personnages, qui peuvent devenir de véritables bourreaux, semblant faire appel aux brutes par intérêt personnel. Plus intéressant encore, il offre à sa victime une chance de briser le cycle par le biais de la narration : en réécrivant son récit. La tueuse d’enfants Sarah Bellows en est venue à se voir telle que les commérages du village la décrivaient, Voilà, d’après le film, le pouvoir qu’ont les histoires non racontées : si ce n’est pas littéralement de nous tuer, c’est de nous détruire intérieurement.
3. The Swarm (2021)
Dans le film L’essaim de Just Philippot, Virginie (Suliane Brahim) tente de sauver sa ferme du sud de la France en élevant des criquets qu’elle commercialise comme aliments pour animaux. Les insectes ne prolifèrent pas et la communauté agricole locale n’est pas particulièrement disposée à accueillir dans ses rangs une veuve d’une quarantaine d’années.
Pendant ce temps, ses enfants sont aux prises avec leurs propres ressentiments, notamment celui d’être associés à une femme dont l’entreprise est étrange et peu prometteuse. Philippot dessine ces différentes relations avec précision, établissant une base solide et résonnante pour l’épanouissement métaphorique du récit lorsque les sauterelles développent un goût pour le sang, devenant incontrôlables.
Philippot utilise de vrais insectes, les filmant avec une intensité naturaliste qui est troublante. En cours de route, il crée de nombreuses images mémorables, mettant en valeur les criquets comme des incarnations volantes et gazouillantes de l’agonie d’une famille de fermiers, ainsi que d’un pays politiquement déchiré dans lequel les notions de « petites entreprises » semblent être en train de mourir.
2. Under the Shadow (2016)
Under the Shadow du scénariste et réalisateur Babak Anvari est une histoire d’horreur centrée sur une mère et un enfant socialement isolé qui sont terrorisés par des événements surnaturels sinistres. Vivant à Téhéran sous le règne de l’ayatollah Khomeini et pendant la longue guerre de l’Iran avec l’Irak, Shideh (Narges Rashidi) sent le monde se refermer sur elle, une suffocation qui devient presque tactile grâce à la spécificité avec laquelle Anvari détaille son quotidien.
Les événements paranormaux sont très probablement une combinaison des hallucinations de la mère et de la façon dont l’enfant donne un sens à la violence qu’elle commet alors que sa santé mentale va et vient, mais Anvari garde les choses effrayantes en partie en laissant ouverte la possibilité que quelque chose de surnaturel puisse vraiment s’emparer d’elle.
1. Unfriended (2014)
L’écran d’ordinateur auquel nous sommes exclusivement accrochés tout au long du film appartient à Blaire (Shelly Hennig), une lycéenne populaire qui aime passer ses soirées à écouter Spotify tout en discutant avec son petit ami souvent torse nu. Une nuit, leur conversation vidéo est interrompue par plusieurs de leurs camarades de classe, ainsi que par un mystérieux appel. Il s’avère que ce dernier est Laura Barnes, une ancienne amie de Blaire qui s’est suicidée après qu’une vidéo embarrassante soit devenue virale.
Il y a des angoisses contemporaines très réelles et très pertinentes qui traversent cette histoire, conférant à l’horreur une charge provocante. Ce qui est encore plus impressionnant, c’est l’efficacité avec laquelle Levan Gabriadze illustre la confrontation brutale de Laura à travers un écran est tout simplement stupéfiant.
